Croquis de Zongo

Ouaiiis des zongopavés et du tradii \o/  Super tout ça ! 

Ah ben oui Georges Pratt c'est une grosse référence pour le tradi aussi, j'adore son boulot ! Je possède cette vidéo de lui 
https://www.youtube.com/watch?v=1Iy4tQ9GD-I 
je crois qu'elle est introuvable aujourd'hui, je peux te la passer si tu veux. Bon c'est de l'huile, donc ca se travaille dans le frais, pas comme l'acrylique (ou alors faut mettre du retardateur, mais j'ai jamais essayé, c'est sûrement quand même différent)
une autre démo, il utilise l'acrylique en sous couche pour le temps de séchage justement
http://kendrasbluesky.blogspot.fr/2009/03/pratt-acrylictaroil-demo.html

ah super Aurore ! merci ! (ah oui la vidéo ça m'intéresse bien, bien entendu ^^)

Déjà, je regarderai mieux l'extrait demain + j'essaierai de bien comprendre sa courte démo sur son blog (je me demande ce que veux dire "Tar" en français.... ce que ça peut être comme produit). Pour le coup il a l'air d'être un sacré "mélangeur" de techniques lui. Il commence par de l'acrylique, il fini par de l'huile,...etc...


Et merci pour vos commentaires Anoul et Homer !
Par contre, je ne comprends vraiment pas pourquoi tu ne vois pas la 3eme image Anoul. Elles sont toutes hébergées au même endroit (l'hébergeur intégré au forum).

C'est en fait ...du goudron.   miammiam !...
https://en.wikipedia.org/wiki/Tar 
Il doit utiliser ça pour avoir des noirs bien intenses et une texture intéressante. C'est clair qu'il hésite pas à mélanger, j'aime bien son approche !

bizarre bizarre hmmm....
Faut que je regarde ça de plus près (moi le goudron.. à part pour refaire les routes...heuuu...)

Bon... je reprends là où j'en étais. Même si je n'ai pas beaucoup de nouvelles peintures à montrer.


Déjà, un second très bon point que m'a apporté cette période de travail et d'études sur la couleur, je me suis rendu compte, c'est que les GAMUTS sont devenus beaucoup plus parlant pour moi, d'un coup.
J'en avais compris le principe dans "Color & Light" de Gurney. Mais ça n'empèche pas qu'une fois dans Photoshop, lorsque j'avais tenté de les utiliser avec coolorus... bof.. ça ne venait pas. Ca ne fonctionnait pas. J'étais pas à l'aise avec, et j'ai vite laissé tomber.
Là... le fait de voir les mélanges en tradi, avec des tubes de peinture que l'on mélange, et avec la roue chromatique... tout prend beaucoup plus de sens pour moi.

C'est simple : Les trois coins d'un gamut en triangle, sont juste les trois tubes dont je pars pour faire tous mes mélanges.
(Je rappelle pour ceux qui auraient manqué l'épisode précédent, que je m'entraine à bosser majoritairement sur des palette à 3 couleurs initiales)
Et on retrouve bien sur tout ce que j'avais expliqué dans le post précédent : Les mélanges des couleurs entre elles diminuent la saturation, en rapprochant la couleur résultante du milieu de la roue chromatique (et donc, du gris).



voilà donc mon gamut des peintures précédentes.
Les coins correspondent donc à mes trois couleurs primaires :

Rouge Cadmium
Jaune Cadmium
Bleu de Céruléum


Pour la peinture suivante, j'ai décidé de tester 3 autres couleurs de départ. En partant d'un des trios proposés dans "Color & Light" (trio de couleurs utilisée fréquemment par Rembrandt ou Zorn) :

Ocre Jaune
Rouge Cadmium
Noir Ivoire.

(et bien sur, toujours le Blanc Titane)



(Ne pas tenir compte des pointillés pour l'instant).
Mon positionnement du coin "ocre jaune" devrait sans doute être plus proche du centre de la roue chromatique (moins saturé, pour un ocre)... Mais c'est pas grave. C'est pour montrer l'idée.


Acrylique - format carré proche du A5. Carton Toilé. Toujours d'après photo.




Je me suis toute fois permis une petite liberté : J'ai "triché" pour le fond... en ajoutant un jaune citron, uniquement pour l'utiliser avec le Noir Ivoire. Ce que j'ai indiqué en pointillé sur mon gamut au dessus.

Je me rappelai une des très (trop) rares information que m'avait donnée ma prof de peinture, il y a 3 ans, en cours du soir :

Noir Ivoire
+
Jaune Citron     =    Un vert sombre très intéressant !

Ca s'explique par le fait que le Noir Ivoire, soit un noir avec une très légère pointe de bleu (ça ne se voit absolument pas, en dehors d'un mélange).
Mais l'Ocre jaune de mon trio d'origine est une couleur trop orangée (trop de rouge dedans), pour qu'il soit possible d'obtenir un vert en le mélangeant au noir ivoire.


Nouvelle étape.
Nouvelle vidéo vue.

Globalement... je trouvai ça encore trop sage comme résultat. Mais bon... ça me semblait encore un peu normal, car ça reste mes premiers essais.
Après avoir vu cette vidéo, j'ai voulu tester une prochaine peinture avec une technique plus rapide, et plus expressive.


Acrylique. Papier format A3. d'après photo.
(contraste légèrement "boosté" sur Photoshop à la fin).



Hmmm.. je ne suis plus trop sur de ma palette pour celle là.
J'ai peut-être pris plus de liberté ? je ne sais plus.

En tout cas, j'ai procédé avec un premier passage de mes couleurs, de façon assez diluées (un "premier jus" on pourrait dire). On voyait le papier au travers par endroit, mais ça n'avait aucune importance.
C'est au second (et plus) passage, que j'affine mes masses, mes dégradés, et mes couleurs.



Un dernier.
Pour cette peinture ci, je suis reparti sur mon trio de départ :

Rouge Cadmium
Jaune Cadmium
Bleu de Céruléum


Acrylique. Papier format A3. d'après photo.



Ce coup ci... j'ai volontairement arrêté la peinture en plein milieu.
Je ne voyais pas bien comment traiter le fond, et j'ai eu le sentiment que ça ne m'apporterait pas grand chose de pousser la peinture plus loin (à cette étape, ce n'est pas la finition que j'ai le plus besoin de bosser). Je préfère laisser celle là de côté, et attaquer la peinture suivante.


Comme les précédentes, elle m'a appris pas mal de choses.
Entre autres :
- Prendre soin de mon tracé (ou crayonné) de départ. Ne pas le bâcler. Car devoir refaire entièrement la tête, (comme ça a été le cas là) parce qu'elle est un tout petit peut trop grosse... complique vraiment la vie. Ca oblige à refaire tous ses mélanges depuis le début en essayant de retrouver tes teintes pas trop différentes d'avant.

Voilà. Je m’arrête là pour l'instant.


Je ralenti ma production d'acryliques, parce que je me suis payé l'accès aux vidéos de New Masters Academy pour un mois
Il y avait des sujets qui m'intéressaient beaucoup et qui sont directement liés à mon travail d'en ce moment sur les couleurs et sur l'acrylique.
Du coup je me bouffe de la vidéo tous les jours

ça prend vraiment une superbe tournure tes acryliques  ! Et merci pour ce partage technique, je viens du coup de piter pour le gamut! (enfin me semble ^^ ...) .

Coucou zongo ! C'est super de voir que tu te met à l'acrylique ! je ne suis plus seul .
Je vais prendre un moment un jour pour lire ton topic en entier car j'ai le sentiment de me retrouver énormément dans tes influences.

Pour le noir Ivoire, effectivement c'est super pour faire du vert. Moi quand je dessine un feuillage par exemple, c'est vraiment fréquent que je parte de ce noir avec la couleur de l'ombre ( je le réchauffe ou je le refroidi celon mon ambiance lumineuse) pour faire la base et revenir ensuite en rehaut par dessus avec des pinceau usé pour faire les feuillages .
Le vert c'est un truc très casse gueule en peinture d'ailleurs... à l'inverse du rouge qui passera dans n'importe qu'elle ambiance même très vif.

Il va falloir que je lise tout ton topic, je reviendrais commenter après ! Bonne peinture Zongo !

Merci Hach

Pour les Gamuts... J'en profite pour préciser un petit point du coup.
C'est que cette représentation d'un gamut en triangle, ne correspond pas "parfaitement" (exactement) à la réalité, de ce que donnerait les mélanges des couleurs en tradi. C'est une simplification visuelle.

On le voit par exemple si tu prends mon premier gamut que j'avais mis plus haut :



Si tu prends le Jaune Cadmium du tube (correspondant "en gros" à mon coin de triangle en haut à droite)....
et que tu le mélange au Bleu de Céruléum du tube (le coin en bas)... de façon à avoir le vert le plus "intermédiaire" possible entre ces deux couleurs... le vert que tu obtiendras ne sera quand même pas (heureusement) aussi dé-saturé que si on prend le milieu de ma droite qui va entre ces deux coins.

Du coup.. la réalité correspond sans doute plus à quelque chose comme ça :




Et par contre logiquement, l'autre "extrême" n'est pas juste non plus.
Dans les premières vidéos que j'ai vu de Steve Huston, sur la théorie des couleurs, lorsqu'il explique le mélange de deux couleurs entre elles, il représente (pour que ça soit plus simple pour l'étudiant qui regarde la vidéo) la couleur résultante sur le même rayon que les deux autres couleurs.





Mais il dit bien (plus tôt dans la vidéo) que tout mélange de couleurs (en tradi bien sur) fait perdre de la saturation au mélange résultant.


Voilà ! c'était pour préciser un peu ça.
Mais c'est encore différent en numérique hein, vu qu'on ne mélange pas des pigments.

C'est de toute façon plus simple de représenter un gamut à trois points sous la forme d'un triangle.


EDIT : Merci Timot ! (on a écris nos posts en même temps) C'est cool que ça t'intéresse et que tu en fasses toi aussi. On pourra partager nos expériences

Zongo a écrit:EDIT : Merci Timot ! (on a écris nos posts en même temps) C'est cool que ça t'intéresse et que tu en fasses toi aussi. On pourra partager nos expériences

Ha bah avec plaisir ! Moi c'est une de mes passions donc j'en serais ravie .

Pouahlala ça me donne le tournis tous ces trucs sur la couleur, pour le moment je fais bien de vraiment me concentrer uniquement à fond sur les bases du dessin au trait   La théorie de la couleur je verrai ça après ! 
Sinon super tes peintures, j'ai une large préférence sur celle où t'as adopté une technique plus rapide / expressive, ça rend vachement mieux, les autres me laissent plus de marbre par le côté trop "lisse" après ça c'est perso... Sinon sur la dernière que t'as postée j'ai l'impression qu'il y a de petits soucis de volume, enfin peut-être que c'est qu'une impression , mais le traité de la cuisse rend le volume très plat je trouve, et pour la jambe peut-être plus marquer le tibia avec un contraste plus fort ? Enfin là j'ai l'impression que c'est un peu "mou" anatomiquement parlant.

Merci Doonthie !
Tout à fait d'accord avec tes remarques.
Ma préférée pour l'instant c'est clairement le gars qui fume. Et la fille de la dernière peinture, il y a des trucs qui ne marchent pas (et cette jambe en premier plan :/).
Mais bon... La peinture était loin d'être finie, et je serai revenu dessus (même si je ne sais pas si j'aurai réussi à rendre la jambe mieux ^^). De toute façon, les volumes et les éclairages à rendre sont beaucoup plus compliqués sur cette pose que sur mes peintures précédentes, et j'aurai sans doute eu du mal.

désolé, j'ai pas lu. Juste pour dire que c'ets vraiment, vraiment, vraiment top ce que tu fais avec tous ces tubes maintenant !

La seconde me plait beaucoup la retouche numérique n’enlève rien c'est chouette

C'est clair qu'au fond on devrait toujours conseiller aux étudiants en couleur de faire des études en tradi aussi (sans pour autant interdire le numérique, c'est complémentaire - comme les couleurs ... heuhaha...), ca les force à manipuler les pigments, les primaires, tester les gamuts sans avoir la facilité du colo-picker.

C'est super tout ça !

As-tu entendu parler de la palette Zorn ? Je sais plus si je t'en ai parlé en MP, mais c'est une palette à base de noir, blanc, ocre jaune et rouge.

Sinon je ne sais plus non plus si je t'avais passé la chaine de Ryan Pancoast, mais il déchire à la couleur aussi   https://www.youtube.com/channel/UCraWV4yO70xqqyTmqLQw8IA/videos

Et si ca intéresse des gens, je remets là le lien vers le blog de Yann Hovadik, peintre à l'huile qui tient un blog tuto et qui fait des même stages
http://yannhovadik.blogspot.fr/

arrghh.. vadé rétro Virid de l'enfer !!
J'ai déjà 15 vidéos (en gros) à voir qui m'intéressent sur NMA  ... et tu m'en refiles d'autres ?! gnnn..

Zongo a écrit:Pour la peinture suivante, j'ai décidé de tester 3 autres couleurs de départ. En partant d'un des trios proposés dans "Color & Light" (trio de couleurs utilisée fréquemment par Rembrandt ou Zorn) :

Ocre Jaune
Rouge Cadmium
Noir Ivoire.

(et bien sur, toujours le Blanc Titane)

Tu dois parler de celle là non ? ^^
En effet.. j'ai vu ça dans Color & Light, je la ré-utiliserai surement pour mieux la tester.


et merci beaucoup Masteraran et Ele !
bon.. bah je retourne bouffer de la vidéo à la pelle.

yep merci pour les liens
merci Zongo

Stéphane

Comment faites vous pour vous souvenir de tous ces nom d'artistes?

Super Lien vidéo Virid Rain ! Je connaissais pas Ryan Pancoast, c'est génial....

TimotBD a écrit:Comment faites vous pour vous souvenir de tous ces nom d'artistes?

On s'en souvient pas !
non je rigole, je retiens les quelques uns qui me touchent et me plaisent le plus... Mais à côté de ça, j'oublie le nom des 3/4 :/ J'ai une mémoire de merde là dessus :/ Heureusement, j'en garde en marque pages.


Quelques fusains sans rapport avec la suite...
C'était juste pour tester une façon de faire dont parle Steve Huston dans ses vidéos (puis ça me faisait un "break" dans mes acryliques).






Je met en liens mes posts précédents sur mes recherches et découvertes sur la couleur, car j'ai vu que ça pouvait servir à Anoul (et peut-être à d'autres) lors d'une discussion sur le Hangout.

premier post blabla couleurs
deuxième post blabla couleurs
3eme post blabla couleurs


Je reprend où j'en suis donc...


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Depuis la dernière fois, j'ai donc bouffé, bouffé, et encore bouffé de la vidéo
Je me suis abonné pour un mois à New Masters Academy, donc j'en ai bien profité.
Du coup, j'ai très peu pratiqué (et je m'y remet bien ces derniers jours)... Mais j'ai appris pas mal de choses.
Je ne vais pas tout résumer ici, ça serait un peu lourd, mais je vais mettre quelques points que j'ai trouvé intéressants.



Harmonisation des couleurs :

Les divers intervenants dont j'ai regardé les vidéos expliquent qu'il est important "d'harmoniser ses couleurs" lorsque l'ont fait une peinture. Je ne suis pas encore bien sur d'avoir compris le "pourquoi"... Mais j'ai très bien compris le "comment". Donc je vais déjà vous expliquer ça.

Steve Huston explique donc que lorsque l'on met deux complémentaires à côté l'une de l'autre, les deux couleurs "vibrent" (visuellement parlant bien sur)... et... hmmm...c'est pas beau. Enfin disons que c'est pas "harmonieux" ^^
Il explique donc comment harmoniser deux couleurs entre elles.
Pour harmoniser deux couleurs, il faut les rapprocher l'une de l'autre sur la roue chromatique. Il y a donc 3 façons d'harmoniser des couleurs :


1) Harmoniser des couleurs par leur... hmmm... couleur (enfin par la teinte quoi ^^ Tint/Hue...etc..)

C'est juste mélanger une des couleurs (ou les deux) pour les rapprocher l'une de l'autre sur la roue chromatique.
Au final ça n'en fait plus des complémentaires absolues, mais des "Near Complements" (complémentaires adjacentes).. voir des couleurs encore plus proches. Au feeling quoi.





2) Harmoniser les couleurs par leur saturation.

En dé-saturant une ou les deux des couleurs en questions, on les rapproche du centre de la roue, et on les rapproche donc l'une de l'autre.





3) Harmoniser les couleurs par leur valeur.

On peut enfin rapprocher des couleurs l'une de l'autre par leurs valeurs/luminosité.
Une roue chromatique complète est en fait un volume en 3D (un cylindre). Je ne peux donc pas vous le représenter là avec ma petite roue 2D... Mais pas grave, l'idée est simple :
En assombrissant ou en éclaircissant les deux couleurs, elles se rapproche l'une comme l'autre du blanc ou du noir... elles se rapprochent l'une de l'autre sur le "cylindre chromatique"... elles s'harmonisent donc.



Enfin... On peut bien sur harmoniser des couleurs sur un "mix" de ces trois caractéristiques. Par exemple en modifiant une des deux couleurs tout en la dé-ssaturant aussi.





Petit aparté d'ailleurs qui est en rapport :
Lorsque l'on éclaircit ou qu'on assombrit une couleur... on lui fait toujours perdre un peu de sa saturation en même temps.
C'est toujours bon à savoir et à garder en tête (mais ça sert sans doute surtout en peinture tradi).



Voilà pour le "comment" de l'harmonisation des couleurs.
Par contre, si j'ai compris le comment, je ne suis pas sur d'avoir parfaitement compris le "pourquoi".
Je veux dire par là, que je ne suis pas sur d'avoir compris pourquoi ne pas utiliser de complémentaires ?
C'est peut-être quelque chose qu'on ne voyait jamais chez les grand maitres classiques ?... mais c'est quelque chose qu'on voit régulièrement sur de l'illustration moderne non ?

Ou alors... je me dis que c'est quelque chose qui peut être bon de prendre en compte pour une zone donnée de notre illustration peut-être ?
Exemple : On peut avoir une illus avec un fond dans les bleus/verts.... et un premier plan dans les oranges-rouges (complémentaires), mais du moment que les couleurs du fond sont harmonisées entre elles, ça fonctionne ?

Bref... voilà.
C'est encore un peu confus dans ma tête. Et malheureusement... si Steve Huston explique parfaitement comment faire dans sa vidéo, aucune des vidéos NMA que j'ai vues n'explique quand appliquer ça, et si l'utilisation de complémentaires est vraiment pour eux un truc à bannir ou pas.
Si certains d'entre vous ont un avis là dessus ou peuvent m'éclaircir sur le sujet, ça m'intéresse bien sur





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Autre sujet liée aux vidéos que j'ai vues et qui peut peut-être intéresser quelqu'un ici...

Steve Huston parle de deux approches ("historiques") différentes des couleurs et de la palette en peinture.
Il différencie d'un côté les "Brown School" (indoors) painters à l'approche impressionniste ("Impressionist School").


"Brown School"
Qui est plus ancienne comme approche. On disposait de moins de couleurs (ou certaines couleurs étaient très chères), et la peinture se faisait essentiellement en intérieur.

Concrètement, ce qui la différencie sur la toile, c'est :
1) Que le peintre utilise (presque) toute la gamme des valeurs. De teintes sombres proches du noir... en allant jusqu'au blanc.
2) Et que les ombres sont traitées de façon "simple", par la couleur de la surface qui s'assombrit vers le noir. Les couleurs de peau deviendront des marrons ("Brown" d'où le nom) plus ou moins sombre, et c'est tout.

Il en résulte que pour ces peintres l'intérêt principal du sujet... Ce qui sera le plus travaillé et le plus riche, sera ce qui se passe dans la lumière. La face éclairée. La zone d'ombre étaient souvent traitée de façon plus simple pour attirer le regard d'autant plus sur la zone éclairée.
On retrouve bien sur plein de peintre dans cette approche... de Rembrandt à Sargent (pas certaines de ses aquarelles), Zorn,..etc...







"Impressionists"
L'approche impressionniste quand a elle est en grande partie la conséquence de l'apparition du tube de peinture, qui ouvrait la possibilité de peindre en extérieur. C'est pour ça que Steve Huston parle parfois de "Outdoors impressionists"...etc...

Concrètement, ce qui la différencie sur la toile, c'est :
1) Contrairement à l'approche "Brown School", la fourchette des valeurs utilisées est en général plus réduite. Vu que le but est de pouvoir exprimer au mieux les couleurs (partout... dans la lumière, dans l'ombre,..) les peintres impressionnistes vont en général moins loin dans les couleurs sombres, et moins loin aussi dans les couleurs très claires. Car dans ces deux cas, la couleur perd sa saturation, et devient presque plus une couleur.
2) Et surtout, les ombres ne sont pas traitées comme une masse de valeur plus sombre, mais souvent comme une zone riche en couleurs (la lumière jaune entrainera des ombres bleues, ou violettes,...etc...).

Monet :


Sorolla :




Voilà.

Je vous met ça de façon résumée...
Mon but n'est pas de faire un (mini) cours d'histoire de l'art ^^... Mais c'est toujours intéressant à savoir, et surtout, ça va me permettre ensuite d'expliquer un truc sur la palette et les couleurs que j'ai vu dans les vidéos aussi.


La suite demain !

La suite donc.


J'ai donc expliqué ça... car ensuite, les "profs" de New Masters Academy font des démonstrations d'études (succinctes) d'après tableaux de maitres. Des études de tableaux "Brown school" et de tableaux impressionnistes.

Palette impressionniste

Un truc intéressant, c'est que j'ai remarqué que Steve Huston, comme Bill Perkins, partent tous les deux plus ou moins d'une même façon d'organiser leur palette lorsqu'ils attaquent une étude d'une tableau impressionniste.
Tous les deux partent sur un choix de deux couleurs par couleur primaire. Une version "cool"/froide et une version "warm"/chaude de chaque couleur primaire. Ce qui donne une palette de 6 couleurs (au minimum quoi) + le blanc (et parfois du noir).

Steve Huston explique que ça donne un éventail plus riche et plus intéressant de couleurs au final.
Le principe est que lorsque vous cherchez à obtenir une couleur secondaire, par exemple un orange, vous avez toujours plusieurs mélanges possibles pour l'obtenir. Un qui vous donnera une couleur plus saturée, et un autre qui dé-saturera plus le résultat.
On imagine bien que le mélange d'un jaune-assez chaud, avec un rouge qui tire vers l'orange... donnera un orange qui garde toute sa saturation.
Alors que le mélange d'un jaune citron et d'un rouge framboise donnera un mélange qui se rapproche plus du centre de la roue. Donc un orange beaucoup moins saturé.

A titre d'exemple, voilà la palette que Steve Huston utilise dans une de ses études impressionnistes



Bien sur il utilise aussi du noir et du blanc que je n'ai pas pu mettre là.
Et autre exemple, la palette de Bill Perkins pour une étude impressionniste. Il choisit lui d'ajouter deux verts.






Bon après, ces palettes avec pas mal de couleurs sont certainement plus facile à utiliser à l'huile qu'avec de l'acrylique où votre palette sèche vite.


voilà je m’arrête là pour l'instant.
Si j'ai oublié quelque chose je viendrai le remettre plus tard.




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Et pour revenir à la pratique... 3 études à l'acrylique que j'avais faites ensuite.
Curieusement, j'avais fait les deux premières sans penser un instant à utiliser la palette de Zorn mais avec les trois primaires classique : Bleu de Céruléum, Rouge et Jaune Cadmium.









Ca m'est revenu avec la troisième. Et ce coup ci j'ai bien bossé à base d'Ocre jaune, rouge cadmium et noir d'ivoire (+Sienne brulée que Zorn utilisait souvent aussi).

Merci je note tout...c'est super intéressant de partager tout ça 

A mon avis ils en utilisent des complémentaires mais comme tu l'explique dans ton exposé jamais de façon égale....un rouge vif annule un vert vif  l’œil est autant attirer par l'un que par l'autre donc ça vibre... alors ils harmonisent.

Oui voilà.
Ils doivent surtout éviter d'utiliser deux couleurs complémentaires toutes les deux bien saturées. On n'en voit d'ailleurs pas vraiment dans leurs tableaux personnels.

voilà sinon j'ai fini mon post au dessus.
La suite à la prochaine session !

Petit aparté "couleurs"... même si je ne fais pas de post sur le sujet aujourd'hui :
Je pense avoir compris la raison de la "nécessité d'harmoniser ses couleurs" (avec des gros guillemets hein) dont parlait Steve Huston et que j'avais cité plus haut.
En fait, ça m'est venu en repensant aux cours de masteraran, à ses corgis (voir cours en question) et leur rouquinitude... à la lumière jaune ou bleu (suivant le cas) qui vient modifier les couleurs locales... etc.... blabla.
Du coup, je me dis que ce soucis d'harmoniser ses couleurs dans une peinture, doit venir du fait de vouloir s'approcher des couleurs que l'on a dans la nature. Parce qu'au final, avec le fait que la/les couleurs des éclairages modifient toutes les couleurs locales... les couleurs sont naturellement "harmonisées" dans la nature.
Même si deux couleurs locales mise cote à cote étaient 100% complémentaires... elles se rapprocheraient l'une de l'autre sur la roue chromatique par le simple fait que ces deux couleurs sont baignées dans la même couleur d'éclairage.

Voilà ^^ C'était juste un petit aparté. Je ne veux surtout pas en faire une tartine.



Bon... deux nouveaux dessins d'après photo, dont je suis super content ^^ (ouais... un peu d'autosatisfaction. Faut pas hésiter de temps en temps)... Parce que pour une fois, j'ai bien réussi à me lâcher + à pratiquer des techniques mixtes (que j'ai toujours adoré chez les autres).
Faut vraiment que j'en fasse d'autres.












Puis un dessin/peinture que je débute et pour lequel j'aurai bien besoin de vos avis




Mon premier croquis préparatoire ...





Et la pose que j'ai redessinée sur le carton (plus grand) sur lequel je pense faire ma peinture....






Ce coup ci... c'est pas d'après photo (mais j'ai utilisé des refs pour certaines parties, dont le visage)., donc c'est bien sur plus dur.
Mes questions sont les suivantes :

- Les jambes/cuisses ne vous semblent-elles pas trop grandes ? J'ai souvent du mal à sentir les proportions des jambes dans ce genre de poses.

J'ai testé une version jambes réduites sur PS...





Je ne sais pas trop... avec cette version, la taille des jambes me semble plus juste (?)...
Mais ça me fait me poser une autre question du coup :
- Si je réduis les jambes comme ça... ça rend le personnage très "de face"..."à plat"... ALors qu'au tout début, j'avais un peu une idée de jambes plus grosses, dues à un effet de raccourcis (parce qu'elles sont plus proche de nous)... ce qui rendait la pose moins plate.
Mais dans ce cas, la main qui tient la cheville est sans doute trop petite ?

Du coup nouveau teste, avec la jambe originale (pas redimensionnée sur PS)... et le bras/main agrandi :





Voilà.


Vous en pensez quoi ?
Vous avez une préférence ?

Quelque chose d'autre vous dérange ?

Merci d'avance !


P.S :
Si ça peut aider... les quelques refs que j'ai trouvé sur le net pour essayer de m'aider avec les jambes. Mais j'ai pas trouvé de photos vraiment dans la même position.

Hello, je pense que le souci par rapport à ton crayonné ce n'est pas les proportions des jambes mais plutot la position générale qui est très figée et pas vraiment naturelle. Je pense qu'il te faut de la référence, quitte à prendre une photo de toi avec le retardateur (on est tous passé par là =P). 
Selon moi le buste est trop incliné vers l'arrière alors que ça devrait être l'inverse et son bras gauche pourrait passer derrière son bassin pour mettre en valeur sa silhouette.

Merci Pikoia !
ça rejoint en partie ce que me disait Helder sur le Hangout.
(la tête est trop en arrière en effet par rapport au torse, ce qui renforce ce côté trop droit... trop rigide).
J'essaie de corriger tout ça.

Pour le bras gauche ok... mais par contre, je ne veux pas non plus (surtout pas), que son torse devienne trop "face à nous". Ce qui ne serait pas naturel non plus.
Enfin je vais tester tout ça ^^ merci !

P.S :
Ah pour la référence aussi.. je me suis pris en photo ^^ Mais ça ne m'aide pas vraiment (pas complètement) car j'ai pas de canapé de ce type chez moi. J'ai un futon dont le dossier arrive beaucoup plus bas. Du coup c'est pas vraiment possible de s'installer comme elle.

J'ai essayé de la charcuter avec l'outil fluidité (mon meilleur ami du moment °8°)

Sinon bien expliqué pour la couleur, c'est tout à fait ça  mis à part  la lumière qui filtre à travers les nuages est peut être la plus neutre qu'on puisse trouver (autant pour les teintes que pour le contraste*) la lumière (naturelle donc) n'est jamais blanche, le soleil est légèrement filtré par l'atmosphère et a une couleur un peu jaune, et la lumière reflétée peut être colorée par la surface qui la reflète (genre la lumière de l'herbe ou de la moquette qui éclaire le plafond). Dans l'espace par contre c'est tout blanc, neutre et les couleurs locales ne sont pas modifiée (sauf si elles se reflètent entre elle etcetc).
* c'est pour ça que dans le cours de Tsutsumi & Kondo, on apprendre d'abord la lumière diffuse puis les lumières directes !